Hace algún tiempo atrás me encontré con una canción de Ricardo Arjona, que me encanto muchisimo "por cierto soy fan numero 1 de Ricardo Arjona". Se llama "Martha" y me recuerda mucho a una amiga que conocí y con la cual viví mucho tiempo, épocas felices.
Pronto estaré subiendo mas canciones, así como cursos y en general este es el blog del mundo de la guitarra un instrumento mágico que al menos en mi caso, me ayuda a desestresarme e incluso a sacar esa parte romántica de mi. :=)
Al escuchar esta canción me encanto y por eso se las canto. Espero que les guste y me dejen sus comentarios.
Yo soy talos y mi meta es que juntos aprendamos a tocar la guitarra, en esta ocasión les enseñare a tocar el circulo de do en guitarra acústica. Para tocar el circulo de do en guitarra acústica nos valdremos de 4 acordes: el acorde de DO mayor, el acorde de LA menor, el acorde de Re menor y por ultimo Sol 7.
Las cuatro notas mencionadas anteriormente para poder tocar nuestro circulo de circulo de do en guitarra se describen con mas detalle en el vídeo.
Tocaremos el circulo de do con el ritmo de bolero. El ritmo de bolero consiste en tocar una vez el bajo primario seguido de un rasgueo hacia arriba con el dedo indice y dos golpes hacia abajo con nuestro cuatro dedos. No se preocupen si no lo comprenden ahora por que en el vídeo titulado "como tocar el circulo de do en guitarra acústica" todo esto se explica a detalle.
Bien pues espero les guste y visiten mi blog, mi cuenta en facebook y twitter.
Freddie King nació en Gilmer, Texas, em 1934. Su madre y sus tíos tocaban la guitarra, y Freddie escucho blues y góspel desde muy pequeño. Empezo a tocar la guitarra a los seis años y su primer instrumento fue una Silvertone acústica. Entre sus influencias figuran muchos de los grandes guitarristas de blues. Suele citar entre otros a Lightnin ‘ Hopking, Robert Johnson, T-Bone Walker, Muddy Waters, Jimmy Rogers (que tocaba en la banda de Waters) y B. B. King.
Se paso a la guitarra eléctrica hacia los trece años. Al poco tiempo empezó a hacer viajes a Chicago para ver a los guitarristas que había oído en los discos. En 1975 me contó:
“Chico, aquello era la ciudad de los blues. Era el sitio con mas blues que yo haya visto. Todos los chicos que veias estaban tocando blues. Había montones de ellos, pero todos venían de otras partes del país. De Mississipi, de Lousiana, de Alabama, de Arkansas… Todos vivían y tocaban allí, pero eran del sur”.
King asegura que toco en bastante sesiones con algunos de los grandes antes de empezar a grabar con su propio nombre. Cita entre otros a Howlin’ Wolf, Muddy Waters y el armoniquero Little Water, sentía un profundo respeto por Howlin’Wolf:
“Wolf si que tocaba música movida chico. No era uno de los gatos perezosos. El se levantaba y daba caña. ¿Sabes como te digo? Mi estilo estaría a mitad de camino entre T-Bone, Muddy Waters, Lightnin’ Hopkins y B. B. King.
Ahora bien, fue T-Bone el que inicio este estilo de guitarra eléctrica, y pronto le siguió B. B. King”.
A los diecinueve años empezó a tocar profesionalmente en la banda de Little Sonny Cooper, y en 1954 se paso a los Blue Catsde Earl Payton.
Aunque empezó a grabar con su propio nombre en 1956 (en el sello El-Bee), no consiguió su primer éxito hasta 1961. Hasta entonces se ganaba la vida manejando una excavadora de día y tocando blues de noche.
“Si, el primer éxito fue ‘Hideaway’. Bueno, los primeros discos fueron ‘Have You Ever Loved a Woman’ y ‘You,ve Got to Hvae Love With A Feelin’, ‘Hideaway’ vino despues. Luego toque cosas como ‘San Jose’. Por aquella epoca hice todo un album de instrumentals. La gente creee que ese fue mi primer álbum, pero no lo era. Mi primer álbum fue ‘Freddie King Sings’, y era todo cantado. Despues hice el instrumental, que fue el segundo”.
Efectiva mente, ‘’ Freddie King Sings “fue su primer álbum, y todas sus piezas eran cantadas. El álbum instrumental, “Lets Hide Away and Dance Away with Freddie King”, se publico después. Lo mas increíble es que se reedito tiempo después con otra portada y un nuevo titulo: “Freddie King Goes Surfin”. Después de algunas grabaciones en Shelter, el sello de Leon Russell, King firmo un contrato con RSO Records, donde grabo sus dos últimos discos, ambos producidos por Mike Vemon: “Burglar” (en el que participa ron Eric Clapton) y “Larger Than LIfe”.
En la navidad de 1976, durante una actuación en Dallas, Freddie King falleció de un ataque al corazón. A lo largo de su carrera toco diversas guitarras Gibson Les Paul de la primera época. En escena usaba también una Gibson ES-335, una ES-345 y una ES-355. Las tres primeras cuerdas eran finas y sin entorchado; las tres ultimas eran Gibson de grosor medio. Desde sus primero tiempos en Chicago utilizo una pua de platico en el pulgar y una de acero en el índice, empleando el pulgar para tocar los bajos y el índice para los agudos. Contra lo que alguna gente creía, no tenia ningún parentesco con B. B. King.
Entre los guitarristas de blues, Freddie King fue uno de los màs imaginativos y consistentes. De un modo u otro sus fraseos se han infiltrado en el estilo de casi todos los guitarristas de Rock.
B. B. King nació el 16 de Septiembre de 1925 en Itta Bena, Mississipi y su verdadero nombre es Riley King. Desde lo ocho años de edad trabajo en una plantación donde le pagaban 35 centavos por cada 45 kilos de algodón que recogiese.
Quedo atrapado por los blues escuchando discos de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y Lonnie Johnson, que llevaba a su casa una tía en edad adolescente. También le influyo mucho la música góspel.
Consiguió su primera guitarra a los 14 años de edad: una Stella de tamaño tres cuartos que le costo 15 dolares. Eso era lo que ganaba en un mes, de manera que tuvo que pagarla en dos plazos mensuales.
Su siguiente guitarra fue una Gibson acústica, que adquirió con ayuda de un primo suyo (el legendario bluesman Bukka White), y a la que acoplo una pastilla DeArmond. También poseyó una de las primeras Fender Telecaster, pero aproximadamente desde 1958 ha estado tocando guitarras Gibson ES-335.
El instrumento que toca en la actualidad es una Gibson de encargo, que sigue el modelo de la 335, pero con la caja cerrada, sin agujeros, para reducir los acoples incontrolados. Anteriormente, King había recorrido a rellenar con toallas la caja de su 335 para superar este problema.
King adquirió las iniciales “B. B.” al comienzo de su carrera cuando Sonny Boy Willianson II, que presentaba el espectáculo American King Biscuit, le concedió un espacio de diez minutos como disc-jockey sin paga. Su apodo era “el Blues Boy de Beale Street” que mas tarde se abrevio, reduciéndose a las iniciales B. B. En los intermedios, B. B. King solía tocar la guitarra con los músicos de jazz y de blues que participaban en el espectáculo.
King ha asegurado siempre que solo es capaz de tocar solos nota por nota, aunque se sabe algunos acordes. Insiste en que nunca ha tocado ritmos por que no le salen bien. También le parece imposible cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo.
Se le considera el creador de la técnica de vibrato consistente en mover el dedo en pequeños movimientos a los ancho de la cuerda, en lugar de hacerlo a lo largo. También fue uno de los pioneros de la técnica de forzar las notas, que se desarrollo para imitar el estilo bottleneck de guitarristas como Elmore James y que ha acabado por convertirse en parte integral de la técnica de guitarra de blues y rock.
El primer disco de B.B King fue “Miss Martha King”, publicado en 1949 en el sello Bullet. Después de grabar para otras varias compañías pequeñas, consiguió su primer exito en las listas de R & B en 1950 con una canción titulada “Three O’clock blues”, a la que siguieron éxitos como “Woke Up This Morning”, “Sweet Little Angel” y “Eyesight to the Blind”. A principios de los sesenta grabo el álbum “Live at the Regal”, seguido por los excelentes “Alive and Well” y “Completely Well”. En 1970 aparecio su favorito, "Indianola Mississipi Seeds”, en el que contaba con la colaboración de león Russel y Carole King.
Además de la guitarra, B. B. King toca otros muchos instrumentos. Es un conocido musicólogo y posee una colección de mas de 30.000 discos, algunos de los cuales se remontan a sus tiempos de disc-jockey. En los 80 recibió muchos premios, y su música llego a las nuevas generaciones gracias a su colaboración en el gran éxito de U2 “When Love Comes to Town”.
Bo Diddley, cuyo verdarero nombre es Elias McDAniel, nació en McComb, Mississipi, el 28 de diciembre de 1928, pero se crio en Chicago, sometido a la influencia de los blues de la posguerra.
De joven toco el violin antes de pasarse a la guiatarra.
Diddley era contemporáneo y compañero de Chuck Berry en la casa Chess de Chicago. Su Musica tenia fuertes influencias de los blues de la postguerra de Chicago, pero lo que le distinguía de los demás interpretes era su característico “ritmo de selva” , como el lo llamaba.
Casi nunca tocaba blues de doce compaces, prefiriendo alargar sus versos en las canciones y mantenerse en un solo acorde, para cambiar solo en los coros o estribillos.
Su distintivo estilo ritmico tendía a apoyarse en el sonido de su banda que incluia a Diddley a la guitarra y la voz, Jerome Green a las maracas, Otis Span al piano, Billy Boy Arnold a la armonica y Norma Jean Worrord (“La duquesa”) a la guitarra y voz acompañante.
La guitarra de Diddley se fundía con las maracas de Jerome, el bajo, la batería y el piano, creando sus ritmos caracteristicos.
Diddley ejerció considerable influencia sobre muchos de sus contemporáneos. Su primer disco, titulado “Bo Diddley”, ha sido interpretado y grabado por una amplia gama de artistas, entre ellos los Rollings Stones, que han realizado versiones idénticas de muchas de sus canciones.
En la mejor tradición de los pioneros del rock’n’roll, Diddley tenia un truco visual: las guitarras que Grestsch le fabricaba expresamente, en una gran variedad de formas y acabados, que incluyen guitarras ovaladas y forradas de piel.
Charles Edward Berry nació en San Luis Missouri, el 18 de octubre de 1931, o tal vez en San Jose, California el 15 de enero de 1926. A los entrevistadores que han tratado de dilucidar la fecha correcta, Berry les ha respondió siempre: “Eso es personal y a nadie le importa”.
Es un Hombre agudo, ingenioso y desconfiado, que tiene por norma eludir las entrevistas. Parece odiar a los periodistas y seguramente sus continuos tropiezos con la la ley – que comenzaron en la adolescencia, cuando tuvo que cumplir dos años de reformatorio por robo a mano armada - han contribuido mucho a su actitud.
Chuck Berry es la figura mas importante en la historia de la guitarra de rock’n’roll. Sus riffs, reconocibles al instante, sus solos y sus ritmos concuerdan a la perfección con las escenas de vida juvenil norteamericana en las décadas de los cincuenta y los sesenta que se describen en sus textos.
Berry creció en Elleardville, San Luis, y ha declarado lo siguiente sobre sus primeras influencias: “A los seis años cantaba en la iglesia. Luego empecé a sentir el deseo de crear armonías. Era imperativo apartarme de la melodía normal y añadir mis propias melodías y armonías, y pienso que eso hizo crecer mi apreciación de la música. En realidad… no creo que fuera rock`n`nroll… De hecho, no lo llamaba así entonces”.
Sus primeras y mas importantes influencias en la guitarra fueron T-Bone Walker, Carl Hogan y B.B. King. Tambien escuchaba jazz, y asegura que le gustaba Charlie Christian cuando tocaba en la banda de Benny Goodman.
Berry había estado tocando la guitarra desde sus tiempo de colegial, pero no se tomo en serio el instrumento hasta que un músico de rhythm & blues, llamado Joe Sherman, le regalo una Kay eléctrica. A principios de los cincuenta, Berry tenia un trio que tocaba en pequeñas funciones y además trabajaba como peluquero, por si acaso la música no le daba para vivir.
De hecho, se aferro a la peluquería hasta que consiguió que le pagaran un adelanto por su primer contrato de grabación. Con tal de conseguir trabajo, tocaba todo tipo de cosas, como baladas y música country, además de su primer amor: Los blues. Su repertorio incluía composiciones de Nat King Cole y de Hank Williams.
Una noche de 1955, Muddy Waters permitió a Berry tocar una canción con su banda, quedo impresionado por su forma de tocar y le recomendó que fuera a hablar con Leonard Chess, director de la Chess Records de Chicago, para que le grabara. Berry acudió a Chess con la recomendación de Waters, llevando una cinta con seis canciones escritas por el y grabadas en un magnetófono barato.
Chess le ofreció inmediatamente su primer contrato de grabación. Al parecer, Berry pretendía hacerse un nombre como cantante y guitarrista de Blues, pero Chess vio más potencial comercial en una canción rápida, “Maybellene”, que combinaba elementos de música country y de blues, mezclados de un modo nuevo y accesible. Chess publico “Maybellene”, y el éxito fue inmediato.
“Maybellene” tuvo importancia más trascendental. Su éxito beneficio indudablemente a Berry, pero también a Chess Records, cuyas ventas se limitaban hasta entonces al publico negro. “Maybellene” fue una de las primeras canciones de rock`n`roll que penetraron a gran escala en el mercado blanco.
Todavía faltaba casi un año para que Elvis Presley consiguiera – en 1956- su primer éxito nacional con “Heartbreak Hotel”.
Tras este primer éxito, Berry se dedico a escribir, interpretar y grabar una serie de canciones que en conjunto constituyen la mayor contribución realizada por un solo individuo a la historia del rock’n’roll. Esta sucesión de joyas incluye, entre otras, “Johnny B. Goode”,”Sweet Little Sixteen” y “Roll Over Beethoben”.
A finales de los cincuenta, estando en la cumbre de su carreara Berry tuvo un nuveo conflicto con la ley. Se le acuso de trasladar a una menor de un estado a otro con propósitos inmorales. Las actitudes racistas que se manifestaban en su primer juicio fueron tan flagrantes que se le concedió un nuevo juicio. Pero dos años después se le dicto sentencia y Berry no pudo evitar una condena de dos años de cárcel.
Sin embargo, durante el tiempo que paso esperando su segundo juicio, Berry no había estado inactivo. Habia dejado una serie de grabnaciones que Chess fue publicando durante su encarcelamiento, y que incluia títulos como “Bye Bye Johnny” , “Route 66” “Talking`bout you” ; “Go, Go, Go” , “Come on” “Too much Monkey Business” , “Memphis Tennessee” y “Reelin’ and Rockin”.
El principal objetivo de Berry ha sido siempre “dibertir”. Su famoso “Paso del pato” ha sido uno de los elementos mas celebrados de sus actuaciones desde que lo introdujo por primera vez en 1956.
“Tuve que comprar ropa para mi trio, y me acuerdo de que los trajes me costaron 66 dolares, 22 por cabeza.
Tambien hubo que comprar zapatos y demás. Bueno, pues cuando a nueva york, los trajes, que eran de rayon, estaban hechos una porquería. Solo teníamos un traje, no habíamos pensado que tendríamos que cambiarnos. Asi que me puse a andar como un pato para disimular las arrugasque tenia el traje.
Recibi una gran ovacion, y deduje que al publico le había gustado. Asi que lo volvi a hacer una y otra vez, y probablemente lo vuelva a hacer esta noche”.
Berry no parece tener preferencias en cuanto a la amplificación: su único requisito es que funcione.
Casi siempre toca guitarras Gibson semiacusticas, y sobre todo un modelo , ES-335 estéreo.
Todavia actua, pero en los últimos tiempos se ha hecho notar mas por sus constantes problemas con la ley. Su agitada vida ha quedado plasmada en una interesantísima autobiografía publicada publicada en 1988.
Chuck Berry se ha considerado siempre un “entretenedor”.
Tambien es uno de los músicos de rock mas importantes de todos los tiempos, sin que, sorprendentemente, parezca se conciente de ello.
Aunque hubo guitarristas que tocaron guitarras amplificadas antes que el, fue el músico de jazz Charlie Christian quien estableció la guitarra eléctrica como instrumento respetable. Desarrollo un estilo melódico, nota a nota, que colocaba la guitarra eléctrica a la par con el saxofón, la trompeta, el clarinete y otros instrumentos solistas de jazz.
Ademas, combino un estilo rítmico y percusivo con acordes aumentados y disminuidos, de un modo tan original que dio origen a lo que el y sus co-innovadores llamaron “jazz moderno”, y que ahora se conoce como “bop”o “be-bop”.
Charles Christian nació en Dallas (Texas) en 1919, aunque algunos historiadores fechan su nacimiento en 1916. Su padre era cantante y guitarrista, y parece que también sus cuatro hermanos tocaban instrumentos. Cuando Charlie tenia solo dos años su familia se traslado a Oklahoma.
Comenzo su carrera musical a los doce a años de edad, pero también aprendió a tocar la guitarra, el contrabajo y el piano (no necesariamente en este orden). Su primera actuación profesional fue como contrabajista de la banda de Alphonso Trent, en 1934. Toco en varias bandas más hasta que en 1937 entro en contacto con Eddie Durham, que era arreglista, trombonista y pionero de la guitarra eléctrica en la banda de Count Basie.
Crhistian quedo impresionado por lo que hacia Durham con la guitarra eléctrica; igualmente le impresiono Floyd Smith, que tocaba una guitarra hawaina amplificada. Cuando conoció a Durham, le acoso a preguntas sobre su técnica. Charlie no tenia guitarra, y cuando Durham le dijo que se consiguiera una, se presento con un instrumento de saldo, que le había costado 5 dolares.
Aquel trasto hizo reír a Durham, que sin embargo quedo impresionado por el afán de aprender que demostraba Charlie, y por su capacidad de asimilar al instante todo lo que el le enseñaba.
Para 1938, Christian había adquirido una guitarra Gibson ES-150 “Española Electrica”, y probablemente un amplificador Gibson. Dicha guitarra era el primer modelo que se vendía con pastilla magnética incorporada. Con este equipo se reincorporo a la banda de Al Trent, pero esta vez como guitarrista.
Su estilo fue recibido por el publico y por otros músicos con una mezcla de asombro y admiración.
Christian era ya héroe local en Oklahoma cuando le descubrió el influyente empresario de jazz John Hammond. Hammond pensó que Christian seria una adición perfecta para el pequeño grupo de jazz de Benny Goodman, y se lo llevo a California para una audición. Sin embargo, Goodman no mostró ningún interés en oírle tocar. Hammond entonces cambio de estrategia e hizo instalar el amplificador de Christian en el escenario donde iba a actuar la banda de Goodman.
Cuando se disponían a comenzar a tocar, Christian subió con ellos al escenario. Goodman se enfureció, pero se sintió obligado a dejarle tocar al menos una pieza. Cuarenta y cinco minutos después, la banda terminaba de tocar la pieza y recibía la mayor ovación que Hammond había visto dedicar a Benny Goodman. Aquella noche el quinteto de Benny Goodman se convirtió en sexteto.
Christian permaneció con Goodman hasta su muerte, que se produjo menos de dos años después. Pero después de tocar con Goodman solia acudir al Minton`s Playhouse, un club de jazz de Harlem, donde se pasaba las noches tocando con músicos tan importantes como Dizzy Gillespies, Thelonius Monk y Charlie “Bird” Parker, que, junto con el propio Christian, fundaronel estilo conocido como “be-bop”.
En julio de 1941, Christian sufrió un colapso y tuvo que ser ingresado en el hospital Bellevue de Nueva York, aquejado de tuberculosis.
A principios de 1942, mientras convalecía en Seaview Hospital de Staten Island, contrajo una pulmonía. Fallecio el 2 de Marzo de 1942.
